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Russ Miller: tocando para la canción

Es uno de los grandes bateristas de estudio del área de Los Ángeles, lo que equivale a decir del mundo. Ha grabado con muchas de las grandes figuras vocales incluyendo Ray Charles, Tina Turner o Bobby Caldwell. A pesar de su nivel sigue tomando clases e intenta mejorar día a día. El trabajo con su banda Arrival, bandas sonoras, programas de televisión, didáctica etc. forman parte de su trabajo igualmente. En la siguiente revista que nos dio para Batería y Percusión nos habla extensamente de todo ello.

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¿Por qué la batería y ningún otro instrumento?
De hecho, empecé a tocar la guitarra primero. Me tomó cerca de 8 meses para aprender el tema de “Batman”, así que pensé que no era para mí. Cuando tenía unos 8 años de edad, mi amigo, que vivía cerca, y mi primo, ambos tocaban la batería, así que supongo que me  interesó. Mi abuelo, con el que me crié, tocó la batería cuando era niño, pero se dio por vencido. Sin embargo, era un entusiasta de la música. Yo me crié escuchando mucha música, especialmente la música de Big Band.

¿Cómo fueron tus inicios y tu primera etapa de práctica?
Mi tía me dio $50.00 para comprar un drumset de plástico de la tienda Sears. Duró alrededor
de 8 horas… Recuerdo tocar la canción “Heartbreaker” de Pat Benatar y destruirlo. Más tarde, en realidad toqué con Pat Benatar y toqué esa canción, fue todo un momento para mí, ¡Llegar al punto de partida de esa manera! Acabé cogiendo un pad de batería y comencé a tomar clases a los 8 años de edad, nunca he dejado de tomar lecciones durante toda mi carrera. Sigo tomando lecciones a día de hoy, en la actualidad con Peter Erskine. A través de los años he tenido grandes “entrenadores”, Jim Chapin, José “Changuito” Quintana, Steve Rucker, Freddy Gruber, Steve Smith, Dave Weckl, Jeff Hamilton, Adam Nussbaum y ahora Peter.

¿Cuándo y cómo llegaste a ser profesional?
Alrededor de los 15 años, llamé un anuncio en el periódico local de “Se busca baterista”. Fui a una audición para el trabajo y lo conseguí. Todo el mundo en la banda tenía sus 40 y yo tenía 15 años. Recuerdo que no era capaz de entrar en los clubes para tocar (había que tener 18 años en el momento de beber alcohol). Tuve que unirme a la unión del músico y obtener una tarjeta.
Esto me dejaba entrar en los clubes. Tenía que salir de inmediato después del concierto y no poder entrar, a menos que tuviera esa tarjeta. Es curioso, todavía llevo mi tarjeta hoy en mi cartera. Tocábamos en la banda de jueves a domingo cada fin de semana. Por lo general era 21:00 a 2:00 am cada noche, 5 sets más o menos. Todavía estaba en la escuela secundaria, por lo que fue un reto para mí los días entre semana para levantarme por la mañana. Continué tocando en las bandas de “Semi- Pro” los siguientes años. En un momento tocaba en la banda que trabajaba 6 noches a la semana. Por último, mientras asistía a clase en la Universidad de Miami en Florida, empecé a conocer a los profesionales serios y entré en la escena. Conocí a los chicos que estaban trabajando en
el círculo de Gloria Estefan que hay en Miami. Empecé a trabajar con todos esos tipos y varios artistas que estaban fuera de Miami. Todo está en las recomendaciones de otros, por lo general nunca bateristas. Yo estaba trabajando mucho en Miami, simplemente no era lo que yo quería hacer. Yo quería hacer discos por lo tanto decidí mudarme a Los Ángeles en 1996.

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Estás considerado uno de los mejores bateristas de estudio con una lista de más de 300 grabaciones, ¿Nos puedes contar cómo es tu trabajo en el estudio, el proceso de grabar batería?
Bueno, es diferente para cada artista, productor y situación. Para los registros de pop y rock, es todo orquestación de la parte correcta para la canción. Consigues la parte correctamente y después trabajas en la interpretación de esa parte. Crecí haciendo sesiones en cinta analógica de 2 pulgadas y teníamos que tocar la canción completa, no se podía “ensamblar” la canción con un montón de pequeños pinchazos y partes. Correctamente “ensambladas” las partes no es música, son sólo las notas correctas. La “performance” de un artista sobre la pieza es música. Incluso en la música electrónica muy integrada, como Nelly Furtado o registros
de Daniel Bedingfield, todavía se tocaba la parte de arriba a abajo. Para las películas, es todo lectura y clavarlo todo en tan pocas tomas como sea posible. Además de estar en el clavo con el click. Hay mucho material en un track de película y no se puede jugar con el tiempo y la sensación, tanto como en otras grabaciones. Los tracks para TV son veloces y perfectos… rápidamente, los discos de straight Jazz son para capturar un “momento”… Realmente es conseguir entrar y decir algo con la interpretación de batería, que “eleve” la música más alto. Cada productor también tiende a tener diferentes enfoques de la grabación. Algunos te dejan hacer lo tuyo, otros están en encima de cada nota. He tenido discusiones sobre la altura de la baqueta sobre las “ghost-notes”… ¡locura! Otros compositores con lo que trabajo mucho, como Jeff Danna, dejan mis partes casi completamente para mí, es el entorno creativo óptimo. Esto se debe a que he hecho tal vez 35 a 40 películas y programas de televisión con él en los últimos 18 años, por lo tanto, simplemente lo deja a mi discreción artística. En cuanto a un enfoque global de hacer las sesiones, una de las cosas que yo hago es escuchar muy de cerca, varias veces y/o escribir una referencia para la pista. No toco en torno a la batería a ver que sale. Ensamblo la parte en la referencia o en mi cabeza y luego la toco. Cuando empezamos a grabar, sólo debería haber una o dos tomas. Toco lo mejor en el primer par de tomas, si tratamos de realizar un seguimiento de una parte por dos horas, sólo se convierte en notas. Además, por
lo general, sólo uso voz y click en mis oídos, con sólo un pequeño fragmento de teclas y bajo. Me aseguro de que todo lo que toco funciona con las voces. Nada debe cubrir las voces. Todo lo que toco siempre levanta la voz y ayuda a contar la historia. Me gusta trabajar con grandes cantantes. Se puede decir de inmediato, bateristas que no trabajan mucho con cantantes tocan de forma  completamente diferente. He trabajado con algunos de los más grandes cantantes de la historia como Ray Charles, Tina Turner, Steve Perry, Andrea Boccelli, Bobby Caldwell… En cada uno de esos trabajos el protagonista era el cantante, no yo.

¿Qué habilidades o cualidades deben ser desarrolladas para ser un baterista de estudio?
Bueno, hay algunas imprescindibles, hablo mucho sobre esto en mis libros y DVD, y especialmente en el “Online Classroom”. Tienes que tener una gran capacidad de cronometraje, pero más que eso, es necesario un pulso fuerte y definido. El pulso es muy diferente a mantener el tempo, un metrónomo puede mantener el tiempo perfectamente pero no tiene pulso. Además es necesario tener grandes
habilidades de lectura. Leer e interpretar es muy importante, tiene que sonar como si hubieras tocado la canción durante años la primera vez que lo haces en el estudio. Además, una buena mezcla es realmente importante, a veces veo chicos que tocan los instrumentos del kit en desequilibrio entre sí por ejemplo, tocan el hi -hat demasiado alto, o bien, el kick demasiado débil en pop-rock. La combinación adecuada para el estilo dado es realmente importante, te limita la forma en que se puede mezclar con cuestiones de “leakage”. El exceso de hi -hat en el micro de caja, demasiados platillos en el overhead… se trata de enormes problemas
de grabación. Además, todo lo que se toca tiene que ser muy definido y claro, nada de gilipolleces. Veo chicos tocando en vivo y no son articulados, están tan ocupados tratando de tocar enormes rellenos o contenidos asombrosos que suena desordenado en ese momento. Ese enfoque no se traduce a las grabaciones. Puedo decir de inmediato cuando alguien ha hecho sesiones o no. Parte de esta actitud es por lo que hay máquinas en los álbumes y luego usan un baterista en vivo en el show para el elemento “visual” . En
algunos de estos shows más modernos, incluso se ejecutan las pistas de batería fundamentales sobre el baterista en vivo. Para mí, eso sería un mensaje muy claro de que algo está mal… la máquina está haciendo la parte más importante de tu trabajo todas las noches. Esto no es bueno y lo veo todo el tiempo, sin embargo.

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¿Cuáles son los trabajos realizados hasta el momento de los que te sientes más satisfecho?
Me encanta la grabación. Me gusta que si toco genial ese día será capturado para siempre, de gira, si tengo una gran noche sólo las personas en el lugar lo tendrán en su memoria. Me encanta tocar en frente de la multitud para la respuesta inmediata, pero la captura de los momentos en la cinta son mis favoritos. Por supuesto, en cuanto a proyectos, mi banda “Arrival” es el que más artísticamente me satisface. Tengo la oportunidad de tocar la música que quiero, como quiero, con los chicos que quiero.

Ray Charles, The 5th Dimension , Cher, Natalie Cole, Tina Turner, Bobby Caldwell, Andrea Bocelli, Nelly Furtado, The Psychedelic Furs, Al Jarreau, Hilary Duff, Daniel Bedingfield, y Meredith Brooks son algunos de los artistas con los que has trabajado, ¿Qué has aprendido en tus años de experiencia? ¿Fue alguno de ellos especial?
He tocado un montón de música diferente, con un montón de diferentes personas durante muchos años. A veces, me gustaría simplemente haber estado en una banda como “Rush” o algo así. Una que permaneció como una sola unidad, por un largo tiempo. Sería interesante ver donde hacía donde podría llevar una “silla de baterista”. Eso es parte de la inspiración para mí con el proyecto “Arrival”. Quiero ver donde puedo llevar esa música en un viaje más a largo plazo. Uno de los inconvenientes de ser un side -man es que por lo general estoy tocando las canciones solo un par de veces, a veces sólo una. Voy a escuchar las cosas de una sala de cine o en la radio y pensar: “¿Qué otra cosa podría haber pensado en esa canción?”. Por otro lado todos los artistas me han enseñado algo, he tocado con algunos grandes cantantes y creo que ha cambiado mi acercamiento a la música. Además, ha habido un montón de situaciones de “alta presión” como American Idol, o lectura a vista en sesiones de cine, televisión y cosas similares. Todo me enseñó a cumplir a un nivel alto. Aprender a rendir al máximo bajo presión es una habilidad muy importante, la mayoría de las personas sólo tocan mejor cuando hay una presión muy ligera. Mi trabajo es todo lo contrario.

He tocado un montón de música diferente, con un montón de diferentes personas durante muchos años.

¿Con quién te gustaría trabajar que no lo has hecho todavía?
James Taylor y Peter Gabriel, por razones diferentes. Creo que James tiene unas canciones increíbles, interpretadas de una manera muy madura. Creo que Peter es un artista sónico, crea arte sonoro, canciones increíbles con increíble atención al detalle en las
partes y los tonos.

¿Dónde te sientes más cómodo en directo, estudio, enseñanza…?
Creo que en el estudio. Me encanta tocar en vivo pero estoy en un estudio de grabación de alguna manera, casi todos los días, si no es R.M.I. (Estudio Personal de Russ), es una sala comercial. Si necesitas un batería para un proyecto, ¿Qué habilidades debería reunir?
Gran timing, grandes tonos, gran actitud, gran lector, gran groove, grandes ideas y un gran tipo para pasar el rato. Sin presión…

¿Quiénes son sus bateristas favoritos y por qué?
Diferentes tipos y por diferentes razones. Los que creo que han tenido el mayor efecto en mi forma de tocar son Papa Jo Jones, Philly Jo Jones, Buddy Rich, Steve Gadd, Carlos Vegas, Denny Carmassi, Neil Peart, Jeff Porcaro, Dave Weckl, Steve Smith, Adam Nussbaum, Jeff Hamilton y Peter Erskine. Por supuesto, algunos de estos chicos han sido mis maestros. Todavía estudio con Peter Erskine, pero mi “núcleo” fueron: Jim Chapin, Ed Thigpen, Jeff Hamilton, Dave Weckl, Freddy Gruber, José Quintana, Steve Rucker,
Adam Nussbaum y Peter Erskine.

¿Qué te llevó a iniciar un proyecto en solitario “Arrival Trio” y los álbumes “Chegada3”, “Arrival” y “Cymbalism”?
Como he mencionado, me canso de tocar la música de todo el mundo todo el tiempo. La razón principal para mí es para pasar más tiempo con la música, más de una o dos sesiones. El trío ha sido realmente impresionante para eso. El nuevo disco “ Chegada3
“ (que significa “Arrival3” en portugués), es una de mis grabaciones favoritas. No es un álbum loco de batería, es un verdadero álbum de música, de una banda. Realmente no puedo decidirme a hacer esos discos de bacteria en solitario. Para ser honestos, no se puede intentar meter voz a un disco de batería, sería como el álbum de R2- D2. Me gustan las melodías, armonía y buenas letras. Siempre me han gustado los álbumes de Max Roach, la idea de tener una banda y tocar música a un nivel muy alto. A veces se trata de baterías muy cool y, a veces, apenas está tocando percusión sencilla. Pero se trata de un enfoque de “primero la música”. Es por eso que el primer y el último álbum de “Arrival” tienen voces. Por supuesto que ambos tienen algunas cosas de batería aventurera.

Tus libros y videos instruccionales son muy respetados, cuéntanos acerca de ellos, ¿Cómo enfocas tu enseñanza?
Todo mi material de instrucción se basó en hacer un libro o DVD que me hubiera gustado tener. Me sentí como si hubiera un “agujero” en el mercado. Me gustó mucho trabajar en ellos aunque fueron cantidades increíbles de trabajo. Para ser honesto, los hice en ciertos momentos de mi carrera cuando no estaba tan ocupado como lo estoy ahora. Tienes que dedicar grandes cantidades de tiempo en el que no estás haciendo dinero para hacerlas. El nuevo “Online Classroom” que se lanzó ahora en 2014 no es la excepción. Tomó casi 2
años en completarse.

También eres parte del elenco de artistas de “Drum Guru” ¿Qué piensas acerca del proyecto de Rob Wallis?
Creo que es genial, Rob es un pensador vanguardista. Él sabe que te tienes que ajustar en el mercado, estoy contento de ser parte del proyecto. Se trata de una aplicación muy fresca. Siempre he tratado de ajustar mi dirección a los cambios del mercado. El uso de equipos electrónicos, la programación, la construcción del estudio, los productos signature, materiales de instrucción y ahora el salón
de clases en línea se mueve con los tiempos. He tratado de hacer eso en mi forma de tocar, también. Mucha gente se frota las manos con su propia leyenda por así decirlo.

¿Cómo te mantienes en forma?
Practico todos los días durante una hora. Todavía tomo lecciones, siempre lo he hecho. Escucho música constantemente y trato de ver las cosas que están saliendo nuevas.

Cuéntanos algo acerca de su sonido y tu kit.
Es curioso, he aprendido mucho acerca de mi sonido a través de todo el cambio de Yamaha a Mapex el año pasado. Había tocado con Yamaha desde que tenía 16 años, estaba tan “atado” a la empresa que iba a terminar tocando todo lo que me pidiera, que fuese nuevo. También han ido cambiando su sonido mucho, por lo que estaba cambiando el mío también. Cuando finalmente me puse a buscar lo que quería, por primera vez en mi carrera, realmente tuve una idea de mi sonido. Me gusta mucho el sonido “Big” controlado. Es necesario crear un sonido grande al momento del impacto, pero que no dure demasiado tiempo. A veces pensamos que el mejor sonido de batería es el sonido más resonante y abierto posible, sino que tiene un montón de cuestiones vinculadas al mismo. Se crea una vibración simpática en el kit, esto viene a través como de un ligero rugido en una grabación. Muchas veces, tienes que silenciar las pistas de tom cuando ni siquiera las tocas. También, puede causar retroalimentación. El kit de Mapex Saturn IV tiene un  gran sonido
real y más corto, como que entra y luego sale. Además, estamos trabajando en nuevas líneas de Mapex en este momento que son increíbles. Están fuertes en el mercado y estoy contento de ser parte de ellos.

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¿Qué crees que ha cambiado en la escena musical desde que empezaste hasta ahora?
Todo. Cuando empecé no había estudios en todo el mundo y cada nota que oyes en la televisión, películas, discos… todo era tocado por un ser humano. Ahora, 50 % o menos es un ser humano, la mayoría implica máquinas. La gente puede estar en el negocio ahora pero nunca lo podría haber hecho antes. Había que cantar y tocar la canción sin auto -tune ni arreglos rítmicos en Pro-Tools. Pinchar era el último recurso… No es el camino para hacer una grabación. Todavía estoy trabajando en como capturar una actuación, no montar notas juntas. La música existe acerca de la comunicación y de la expresión, no de lo que puede hacer una máquina.

Sólo quiero hacer la mejor música posible, por el mayor tiempo posible…

¿Puedes darnos algún consejo para los bateristas principiantes?
Piensa en la sustancia sobre el estilo a largo plazo. Es cierto que es mejor ser suertudo que “grande”, pero estoy apostando mi dinero a “grande”. Recuerda, estás empezando un pequeño negocio al ser un músico profesional. Eres el producto. El producto tiene que ser algo que la gente necesite, que necesite para ser un gran producto, es necesario que se comercialice, tiene que actualizarse y necesita ser cuidado al máximo. No pares a la gente, llévalos hacia ti. Consigue un buen profesor. Tiger Woods tiene uno y es el mejor golfista que jamás haya vivido. Sé serio, incluso si lo estás haciendo por diversión, es más divertido ser bueno.

¿Como funciona “Online Classroom”?
Es completamente nuevo y una manera única de tener “entrenador”. Hay más de 110 lecciones a 5 cámaras en HD. Por supuesto, puedes navegar por todos los diferentes módulos o lecciones, hay de todo, desde la técnica de la mano a la experiencia en más de 30 estilos de música. Pero lo diseñé para que pueda sinscribirte en el curso completo. Al adquirir el curso completo y como parte del
proceso de inscripción, me envías un video/audio con cuáles son tus objetivos (hay un cuestionario para ayudarte). Reviso
personalmente y envío de vuelta un supuesto plan de estudios, que dice qué clases tomar y en qué orden para alcanzar tus metas. Puedes estar conmigo en tu evolución y trabajamos en tu desarrollo juntos. Se trata de un nuevo concepto de instrucción privada o entrenamiento, vi algunas otras lecciones on line y me sentí como que eran demasiado “comprar una lección y aprender un fill”. Esto se trata de guiarte a través de un plan de estudios conjunto (como una universidad) para conseguir realmente que llegues a otro nivel. Se pondrá en marcha el 2014 y esperamos que todo salga bien, para que podamos mantenerlo activo. Puedes acceder a ella a través de mi sitio web , simplemente haz click en “Online Classroom” en la parte superior de la página o puedes ir directamente a www.drumandpercussionuniversity.com. Además, para todos s lectores, utilice el código de cupón “DNP_Launch“, y todos recibirán
10 % de descuento de todo en el salón de clases, incluyendo la inscripción al curso completo.

¿Retos de futuro?
Seguir trabajando, seguir mejorando, seguir amando este negocio loco. Me siento bendecido de hacer lo que hago y lo sé. Sólo quiero hacer la mejor música posible, por el mayor tiempo posible…

Asensio Ros “Wally”

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